Semana del Arte 2026 en CDMX: Artistas, proyectos y más actividades que activaron el escena

La Semana del Arte 2026 en la Ciudad de México se vivió no solo con una agenda saturada, sino como una avalancha de activaciones, ferias, exhibiciones, fiestas y más. Entrar a un espacio, salir con preguntas. Cambiar de colonia, de escala, de ritmo. Entre ferias, exposiciones independientes, subastas y museos, lo que se repitió no fue una estética, sino la necesidad compartida de repensar desde dónde se produce, se muestra y se habita el arte hoy.

Este es un recorrido muuuuy resumido. Pero te invitamos a abrir el diálogo. ¿Tú qué viste en esta Semana del Arte? ¿Qué sentiste?

ZONA MACO: Diseño que baja la voz

En Zona Maco, el diseño se movió entre propuestas, objetos y espectáculo. Piezas que dialogan con la arquitectura, la memoria doméstica y el cuerpo. Desde las formas geométricas y contemplativas de NONO, hasta los objetos cargados de biografía en LICHA de Los Patrones, donde una silla heredada o una andadera activan vínculos entre interior y exterior.

La colección VICÚS de Barón & Vicario, en colaboración con Domingo Seminario de Col, trazó un puente entre diseño contemporáneo y cultura preincaica sin caer en la cita literal. Más que referencias históricas, habló de materia, tiempo y origen.

Entre sillas que parecen líneas continuas, lámparas que invitan a respirar y prendas efímeras pensadas desde lo colectivo, Zona Maco dejó claro que el diseño también puede ser pausa, memoria y gesto político sutil.

VÉRTICE SUBASTAS: El arte como experiencia compartida

Vértice Subastas transformó la subasta en un juego social. Paletas compartidas, precios accesibles y una atmósfera donde convivieron artistas, coleccionistas primerizos y miradas curiosas. Más que solemnidad, hubo emoción. Más que distancia, cercanía.

Al ingresar al recinto, nos encontramos con la exposición de los 38 lotes a subastar. Obras de Leslie Molina, Triana Parera, Dayun, Román Castro, Enrique Larios, entre otrxs artistas, cubrían los muros de los dos pisos de Supremo.

Las obras circularon entre risas, gritos y nervios, recordándonos que comprar arte también puede ser un acto colectivo, intuitivo y disfrutable.

MISREPRESENTED: Volver a mirar lo que el tiempo dejó atrás

En La certeza irremediable, Misrepresented propuso una recuperación de trayectorias fundamentales para el arte contemporáneo mexicano. Lejos de la nostalgia, la muestra activa la memoria como un territorio vivo, atravesado por archivo, incertidumbre y arquitectura.

La segunda edición de Misrepresented propone una reflexión colectiva en torno a la memoria y la certeza irremediable del paso del tiempo, a través del legado de tres personajes influyentes en la construcción del arte contemporáneo: José Arellano Fischer, quien desarrolló una sólida trayectoria artística y académica articulando producción gráfica, investigación y docencia; Francisco Fernández, becario y alumno de la Escuela Nacional de Artes Plásticas San Carlos y de la Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda; y Oscar Rodríguez, artista multidisciplinario clave en el desarrollo del neo-pop, la neofiguración y el expresionismo figurativo en México.

SALÓN ACME No. 13: Identidad como fricción

Salón ACME condensó muchas de las preguntas de esta Semana del Arte. Obras que no buscan agradar, sino incomodar desde la identidad, el cuerpo y la historia.

El rebozo de Jaime “Puki” Antonio Ferreira dejó de ser ornamento para volverse pancarta. Juan Carlos León cruzó ciencia y naturaleza para evidenciar la fragilidad del control humano. Sol Golden Sato activó la memoria afromexicana desde lo mitopoético, mezclando archivo, sonido y cuerpo.

Aquí, la identidad no fue tema sino postura.

MATERIAL: Incomodar también es cuidar

En Material, varias galerías apostaron por discursos necesarios. Selvanegra, con la obra de Flor Alvarado, desmontó el borrado indígena en el imaginario urbano desde una pintura viva y política. Hidrante, desde Puerto Rico, reflexionó sobre la alienación contemporánea y la distancia con unx mismx. Galería SN llevó la pintura hacia lo onírico, lo ambiguo y lo corporal.

SCRATCH: ¿Rasguño o caricia?

SCRATCH no se plantea como una exposición que busca consenso, sino como un espacio de fricción. En su segundo encuentro colectivo, Camila Bardehle, Carolina Colichio, Karla Leyva y Margot Kalach trasladaron el proyecto a la Ciudad de México, en CROMA, bajo la curaduría de Polina Stroganova, para pensar el cuerpo desde lo táctil.

Aquí, las obras se mueven entre la caricia y el rasguño, entre lo que protege y lo que erosiona. Las superficies no son neutras, guardan marcas, memorias, tensiones. SCRATCH habla de piel, de contacto, de la fragilidad como condición compartida. En un contexto saturado de imágenes pulidas, este espacio apuesta por lo inestable, por aquello que se abre en fisuras y no busca cerrarlas.

CLAVO MOVIMIENTO: El arte como práctica de acceso

CLAVO Movimiento no se presenta solo como una plataforma expositiva, sino como un ecosistema. Desde su creación, ha trabajado por democratizar el acceso al arte, entendiendo la exhibición como un punto de encuentro y no como una barrera.

Las obras de artistas como Valerio Gámez y Carlos Uzcanga Gaona revelan una mirada crítica que cruza cultura popular, historia del arte, deseo y disidencia. Cine, música, iconografía religiosa y referencias neopop conviven en un lenguaje híbrido que no busca pureza, sino honestidad.

DISARM: La forma se vuelve acción

DISARM, de Pedro Reyes, no es una exposición que se limita a la contemplación. Es un proceso largo, sostenido y profundamente político. Iniciado en 2007 en Culiacán, el proyecto parte de la premisa de que la crítica simbólica no basta si no se interviene el sistema.

Las armas recolectadas y fundidas para convertirse en palas, los árboles plantados como respuesta directa a la violencia, y posteriormente los instrumentos musicales creados a partir de miles de armas en Ciudad Juárez, no funcionan como metáforas. Son acciones concretas que transforman materia destinada a la muerte en herramientas de vida y sonido.

Presentada en el Centro de las Artes Inmersivas en General Prim 90, esta es la primera vez que todas las etapas de DISARM se muestran juntas en México. Verlas así permite entender el proyecto como una escultura social, una obra construida por comunidades, oficios y colaboraciones, donde el arte actúa como mediador entre desarme, cultura y acción colectiva.

MUSEO TAMAYO: Lo común como territorio vivo

En el Museo Tamayo, Wayamou: Lenguas de lo común reúne por primera vez la obra de Laura Anderson Barbata y Sheroanawe Hakihiiwe. Más de cien piezas construyen una reflexión sobre reciprocidad, memoria y resistencia, desde prácticas que privilegian el intercambio antes que la autoría individual.

La exposición propone otra forma de estar juntxs, escuchar, devolver, compartir saberes. Aquí, lo común no es abstracto, se manifiesta en materiales, gestos y procesos que resisten al olvido.

De manera paralela, El gesto y lo invisible explora el movimiento como una herramienta de pensamiento colectivo. A través del cruce entre performance, danza, dibujo e intervención en sitio específico, la muestra entiende el cuerpo como archivo y como lenguaje compartido.

En conjunto, ambas exposiciones colocan al museo no como un contenedor, sino como un espacio activo de diálogo, donde el arte se vive como experiencia situada y relacional.

TEXTIL x Teresa Olmedo — top10artistas

Una exposición colectiva que piensa el textil como territorio vivo. Desde el hilo, el cuerpo y la memoria, las obras activan el tejido como gesto micropolítico: resistencia, cuidado y vínculo entre lo ancestral, lo comunitario y lo contemporáneo.

Laguna

Laguna tuvo distintas exposiciones desde , Reúso: Arquitecturas de Casi Nada. Una exposición que reúne prácticas arquitectónicas que trabajan desde lo existente. Reutilización, ensamblaje y adaptación sustituyen la idea de construir desde cero, proponiendo una arquitectura crítica, situada y consciente de sus implicaciones sociales y políticas. Gran Salón México presentó Guardianes del Paraná de Alan Berry Rhys. Como parte de la Semana del Arte 2026, Can Can Press y Fisk presentaron “El Estado del ARte”, una serie de pósters que funciona como autorretrato de sus prácticas. A partir de tres ejes —visión, oficio y realidad—, la muestra propone ejercicios de síntesis visual donde el diseño se piensa como reflexión crítica sobre el hacer creativo.

Once Upon a Time in Chapultepec Heights — Avantgardo

General Expenses presenta una muestra que despliega escenarios irónicos y excesivos para hablar del poder, el deseo y la decadencia. A través del humor negro y la provocación, la obra pone en tensión lo absurdo y lo obsceno como reflejo de lo social.

Demasiado Fino — Rótulos y Arte

Mexico Is The Shit y Todo bien estudio proponen una celebración del rótulo mexicano como lenguaje vivo del paisaje urbano. Tipografía hecha a pulso, humor, oficio y estilo se cruzan para reivindicar lo popular no como adorno, sino como memoria, identidad y resistencia visual que sigue hablando desde la calle.

Veintidós — anniversary group show

Patricia Conde Galería presentó una exposición que celebra 22 años de trabajo alrededor de la fotografía como campo expandido. Diálogos entre generaciones, miradas al archivo, lo cotidiano y lo político conviven para pensar la imagen más allá de la técnica: como territorio sensible, crítico y en constante transformación. Con piezas de Huberto Ríos, Héctor García, Graciela Iturbide, Alejandro Cartagena, Adam Wiseman, Sonia Madrigal entre otrxs.

FILO – Primer Vértice

Un proyecto expositivo dedicado a celebrar y reconocer el arte en México desde la pluralidad de prácticas y voces. FILO — Primer Vértice propone el espacio como punto de encuentro entre generaciones y discursos, donde pintura, escultura, dibujo, bordado, instalación, sonido, danza, literatura, arquitectura, diseño y performance conviven como una lectura expandida de la producción artística actual. La muestra reúne fragmentos de sueños, imaginaciones, delirios y memorias compartidas que permiten pausar —aunque sea por instantes— el ritmo de una sociedad que no se detiene, recordando la fuerza del arte y la comunidad como motores para seguir adelante.

WIP (Work in Progress)

Work in Progress (WIP) es un festival que convierte el proceso artístico en una experiencia pública, invitando a entrar en la obra antes de que esté terminada. Durante ocho días, artistas trabajaron en vivo compartieron dudas, pruebas y aprendizajes, proponiendo otra forma de ver y habitar el arte.

Salón Silicón

Presentó W.C de Karl Frías García, una exposición que pone en tensión lo íntimo y lo expuesto desde espacios cotidianos. Convive con “Un jardín propio” de Alan Hernández, con textos de Clyo Mendoza.

Casa Wabi

Tres exposiciones, tres formas de materializar la tensión entre cuerpo, materia y tiempo. De la fragilidad cristalina de Cristalización Especular de María Naidich, a la resistencia terrosa de Sisyphus de Bosco Sodi, hasta el gesto íntimo y doméstico de Mesa de centro de Cristina Umaña: superficies que cargan memoria, desgaste y presencia

Tratados — Pintura, instalación y nuevos medios de Chile — Centro Cultural Digital.

Una exposición colectiva que celebra más de 25 años de intercambio cultural entre México y Chile. Organizada por FAST (Festival de Arte de Santiago) junto a Avant.Dev, Tratados propone la fiesta como formato expositivo para pensar territorios, afectos y memorias que se comparten. Las obras cruzan imaginarios, migran materialidades y mezclan lenguajes, apostando por la intuición y la permeabilidad frente a la rigidez: lo que se pierde en control se recupera en sensibilidad.

Nigredo → Albedo → Rubedo — JO‑HS Gallery

Una exposición colectiva que toma la alquimia como marco para pensar la transformación, tanto material como interior. El recorrido se articula en tres momentos —Nigredo, Albedo y Rubedo— entendidos como un ciclo de disolución, depuración e integración, donde la ruptura, la claridad y el renacimiento no son estados separados, sino fases conectadas del devenir. A través de prácticas contemporáneas diversas, la muestra propone habitar el cambio como proceso: enfrentar la sombra, recalibrar la materia y encarnar una transformación que ya no se busca, sino que se vuelve presencia.

Frágil — Estamos en constante deterioro

Una exposición colectiva que aborda la fragilidad no como falla, sino como condición inevitable de estar vivxs. A través de pintura, escultura, fotografía, video, textil, instalación y obra comestible, la muestra reúne artistas de distintos países y regiones de México para pensar el cuerpo como territorio abierto: sensible, vulnerable y en constante transformación. Aquí, el cuerpo aparece como archivo de memoria, dolor, identidad y sanación —física y social—, no como una forma ideal o estable, sino como una entidad que siente, se afecta, se quiebra y persiste. Frágil propone habitar esa vulnerabilidad como posibilidad de cuidado, movimiento y continuidad dentro del caos de existir. Entre los artistas de la muestra se encuentran Jashira Sandoval, Chica Banquete, Rodrigo Palma, Gurrumata, Fernanda Tellez, entre otrxs. Curaduría de Luis Manuel Perea

AHORA — Swivel Gallery en ISLA Project Space

Una exposición colectiva que reúne a quince artistas para pensar el presente como un territorio de fricción, acumulación y cambio. Presentada en ISLA Project Space, el espacio de Karen Huber, AHORA explora cómo la pintura —y sus formas expandidas— se desplaza hacia el objeto, la escultura y la intervención espacial, activando la materia como un campo donde convergen memoria, trabajo, afecto y contexto social. Entre abstracción y figuración, control y ruptura, las obras no buscan fijar el momento actual, sino habitarlo: insistiendo en la experiencia corporal y la atención sostenida como actos críticos frente a la inestabilidad contemporánea. La exposición cuenta con obras de Marek Wolfyd, Chavis Marmol, Andrea Ferrero, Ángela Leyva, entre otrxs.

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La Semana del Arte no se trató de verlo todo, sino de entender algo. Que los espacios importan tanto como las obras. Que los perfiles curatoriales son declaraciones políticas. Y que caminar la ciudad, con tiempo y atención, sigue siendo una de las mejores formas de mirar arte.

Si aún estás a tiempo, sal. Entra. Vuelve a mirar. La conversación sigue abierta.