Inédito 2025: Exposición de arte objeto mexicano en Espacio CDMX

En cada edición de Design Week Mexico, Inédito 2025 se convierte en un ejercicio de observación sobre el estado del diseño contemporáneo. No es una feria ni un escaparate de tendencias: es un espacio de confrontación entre la forma y la idea. Su premisa —que cada pieza sea inédita, nunca antes mostrada ni comercializada— funciona como un filtro que privilegia lo experimental y lo reflexivo. En esta decimoprimera edición, Inédito reafirma esa intención: más que celebrar objetos, propone una mirada sobre lo que el diseño puede decir del tiempo que habitamos.

Dividido en categorías Profesional y Universitario, el proyecto reúne una pluralidad de perspectivas que van desde el objeto utilitario hasta la pieza poética, desde lo artesanal hasta lo especulativo. En 2025, además, la presencia del país y el estado invitados amplía el espectro cultural, haciendo visible cómo las tradiciones materiales dialogan con discursos contemporáneos en torno al cuerpo, la tierra y la memoria.

La exposición se aloja en el Espacio CDMX Arquitectura y Diseño, un recinto que, más que contenedor, actúa como territorio de cruce entre oficio, identidad y experimentación.

In(concluso) – Margarita Velázquez Studio

Zapopan, Jalisco | Cerámica

Las piezas de In(concluso) surgen del diálogo entre lo emocional y lo material. Son cerámicas que escapan de la forma perfecta y el acabado previsible para habitar un espacio más íntimo, casi confesional. Margarita Velázquez explora la relación entre cuerpo, tiempo y transformación, proponiendo que lo femenino no es una forma fija, sino un movimiento constante.

En esta serie, la imperfección no es defecto: es lenguaje. Las curvas y texturas vibran con una energía que parece orgánica, recordando que la belleza no está en lo estable, sino en lo que muta.

Cráter — Valsaio Studio

CDMX | Cerámica de alta temperatura con cobalto y esmalte transparente

Diseñada por Valentina Rivero Coello en colaboración con Aderman Ceramics, esta pieza invita a reconsiderar la relación cotidiana con los objetos. Cráter combina lo funcional con lo poético: su forma ergonómica y sus tonos minerales evocan la tierra como origen y como materia de reflexión.

La cerámica aquí no solo sirve; dialoga. Alude a la corporalidad y al gesto humano detrás del objeto, recordando que la utilidad también puede ser un acto de contemplación.

Turitipi — Joel Cornelio Estudio

Tzintzuntzan, Michoacán | Paja y cobre

En Turitipi, el arte popular michoacano encuentra una nueva traducción formal. Joel Cornelio creó una pieza que equilibra lo orgánico y lo geométrico, donde la paja y el cobre se entrelazan para construir una figura circular cargada de simbolismo.

La obra puede aludir al ciclo vital, al cosmos y al territorio. Su centro oscuro actúa como un ojo o un sol, irradiando patrones concéntricos que evocan dualidades: vida y muerte, luz y sombra, naturaleza y artificio. Es una metáfora visual sobre la identidad como expansión, como raíz que crece y se dispersa.

Cruces de Mayo – Roberto Gaitán Estudio

La colección de Roberto Gaitán Estudio presenta cuatro asientos bajos inspirados en el Día de la Santa Cruz, una tradición donde los trabajadores de la construcción levantan cruces como símbolo de fe, protección y gratitud. Cada pieza refleja una etapa del proceso constructivo, elaborada con madera, detalles de acero y materiales reciclados, gracias a la colaboración de albañiles y artesanoxs que aportan su conocimiento al proyecto.

Sembrando la Tierra — Galería Tierra Quemada

Oaxaca | Barro Donají, esmalte cerámico y madera de cedro

Diseñada por Vicente Hernández, esta obra combina precisión técnica con una sensibilidad ritual. El barro Donají —material oaxaqueño por excelencia— dialoga con el fuego, el esmalte y la madera para crear un objeto que parece contener tiempo.

Su superficie terrosa y su centro oscuro generan una tensión visual entre lo opaco y lo brillante, entre tierra y vidrio, entre estabilidad y transformación. Sembrando la tierra puede leerse como una meditación sobre la permanencia de lo artesanal, sobre cómo la mano que moldea sigue siendo una forma de pensamiento.

Beyond the Canopy — Mx.atelier

Mérida, Yucatán | Yute y algodón

Diseñada por Paloma Santacruz, esta pieza textil parece respirar. Su tejido ondulante en tonos verdes, azules y beige sugiere un paisaje en constante cambio. Aquí, la belleza no reside en lo estable, sino en el proceso mismo de transformación.

Cada hilo funciona como una huella del tiempo, una declaración de que la imperfección es, en sí misma, una forma de verdad. Beyond the Canopy convierte el textil en una cartografía emocional donde el error se vuelve parte del lenguaje.

Luz Póstuma / Eje de Ausencia / Torsión del Juicio — Kaleydo

Culiacán, Sinaloa | Fibra de vidrio, pintura acrílica y acero galvanizado

En esta serie, el estudio Kaleydo transforma el mobiliario en alegoría política. Sillas y mesas de apariencia inestable hablan de resistencia, de caos y de identidad. Las estructuras metálicas se muestran sin disimulo: son cicatrices visibles, metáforas del cuerpo colectivo que sigue en movimiento pese al desgaste.

Estas piezas no buscan equilibrio, sino expresión. Kaleydo plantea que el diseño también puede ser un gesto de insurrección: un lenguaje de lo inacabado y lo honesto.

Mexicana Urbana – Téllez

CDMX | Mimbre, vara de trigo, popotillo y textil de lirio acuático de Xochimilco

Diseñada por Angélica Abril Téllez Cebada y Bibiana Mancilla, esta pieza une materiales naturales en una composición que parece crecer por sí sola. El lirio acuático —planta considerada invasora— se resignifica como materia útil, convirtiéndose en un acto simbólico de regeneración.

El resultado es una piel orgánica tejida entre lo controlado y lo espontáneo. Mexicana Urbana es, al mismo tiempo, una reflexión ecológica y un elogio al trabajo manual: cada fibra es un territorio donde naturaleza y cultura se encuentran.

Cardinales — Torreblanca Studio + Trimetría

Mérida, Yucatán | Madera de encino entintada y henequén

Diseñada por Daniel Torreblanca y Ricardo Torres, esta serie de piezas se construye desde la geometría y la estructura. La madera de encino entintada sostiene formas sólidas y apiladas, mientras las borlas de henequén introducen un gesto artesanal que suaviza la rigidez del conjunto.

Cardinales encuentra equilibrio entre lo monumental y lo íntimo. El contraste entre madera y fibra natural recuerda que la tradición no es opuesta a la modernidad, sino una forma de diálogo continuo.

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Inédito 2025 revela una inquietud común entre lxs diseñadorxs: la necesidad de pensar el diseño como lenguaje del presente. Lejos de la idea de perfección, las obras reunidas proponen una estética de lo inestable. Nos recuerdan que lo hecho a mano no es nostalgia, sino resistencia; que en la imperfección habita una verdad compartida. En tiempos donde lo artificial domina, algunas de estas piezas nos devuelve al pulso humano de las cosas.

Tienes hasta el 11 de enero para visitarla. ¿Ya sabes qué vas a ver primero?