Salón ACME No. 13: Artistas y proyectos destacados que puedes ver antes del 8 de febrero

Durante la Semana del Arte 2026, Salón ACME regresa en su edición número 13, para reafirmarse como un espacio consolidado para el arte contemporáneo en México. Esta plataforma destaca por ser una iniciativa gestionada por artistas que busca brindar visibilidad e impulso a talentos jóvenes. Desde su fundación en 2013, se han llevado a cabo doce ediciones que han permitido la consolidación de una comunidad integrada por artistas, curadores y coleccionistas.

Puebla: Observar el territorio a través de la materia y los objetos

Este año la atención se centra en Puebla con una curaduría que nos invita a leer el territorio de una forma distinta. La exposición titulada Huellas, voces y otras pistas bajo la curaduría de Nina Fiocco, articula una serie de obras producidas por artistas poblanos mediante una narrativa discontinua. Las piezas se construyen a partir de materiales residuales y objetos específicos que funcionan como fragmentos de la historia social, política y económica del territorio. 

El concepto central de la muestra reside en cómo el contacto físico del artista con su entorno transforma la materia prima en una declaración política y sensible. Las piezas resultantes funcionan como registros de la historia textil, la actividad minera y los fenómenos migratorios que han moldeado la identidad poblana. A través de este ejercicio, el espacio expositivo se convierte en una zona de reflexión sobre la resistencia de los ecosistemas y la memoria colectiva que surgen de los cuerpos que habitan y transitan la región.

Cuerpo e identidad en la obra de Enrique López Llamas

En la sección de Patio se presenta la pieza I Am The Resurrection and I Am The Life, un proyecto de Enrique López Llamas que marca un punto de inflexión en su trayectoria. El artista originario de Aguascalientes utiliza la apropiación de imágenes históricas y elementos de la cultura popular para cuestionar las estructuras de poder actuales. 

Las esculturas suspendidas funcionan como un repositorio de referencias que incluyen relatos mitológicos, hitos de la historia del arte e imágenes de la industria cultural. La pieza refleja una condición melancólica mediante el uso de escalas monumentales y la ilusión de vestigios que desafían la gravedad. La identidad se presenta como una construcción inestable y fragmentaria donde el cuerpo es el punto de encuentro.

Sección de Proyectos bajo la curaduría de Ana Castella y Mariel Flores

La sección Proyectos, liderada por Ana Castella y Mariel Flores, reúne un ecosistema de galerías y espacios autónomos que representan diversas geografías de América y Europa. El valor de esta sección radica en el diálogo que se establece entre las obras y la arquitectura del lugar, la cual se integra a la exhibición sin perder su carácter histórico. Las piezas seleccionadas funcionan como intervenciones que aprovechan las particularidades del inmueble ubicado en General Prim 30, para potenciar su propio lenguaje. 

En esta ocasión la selección destaca obras artesanales en diálogo con el trabajo manual y textil que suele quedar al margen de las instituciones académicas tradicionales. El fomento a la sostenibilidad y la creación de redes internacionales es un eje prioritario, apoyado por el programa Cultura Circular 2025 del British Council. Esta iniciativa apuesta por transformar la convivencia diaria durante Salón ACME No. 13 en una red de apoyo y colaboración para los artistas a largo plazo.

Artistas que destacamos

Jaime “Puki” Antonio Ferreira

En la obra, el rebozo se desprende de cualquier lectura folclórica para convertirse en un gesto crítico. A través de la técnica del jaspe, el textil deja de ser ornamento y se vuelve pancarta. El velo, históricamente asociado a la ocultación, aquí se despliega como un acto de visibilidad donde los estigmas tejidos sobre el cuerpo se transforman en orgullo y afirmación identitaria.

Juan Carlos León

Desde una investigación que cruza arte, ciencia y naturaleza, Juan Carlos plantea piezas que integran tecnología y materiales cargados de simbolismo. Su trabajo cuestiona la noción humana de control sobre lo natural, evidenciando la fragilidad de los sistemas que intentan dominarlo. En lugar de ofrecer respuestas, sus obras abren fisuras donde la incertidumbre se vuelve un punto de partida.

Anaís Vasconcelos

Su práctica se construye desde la pintura, pero desborda el lienzo hacia el dibujo y la instalación. Su mirada parte de lo cotidiano y lo femenino para observar la ciudad, los afectos y las tensiones que atraviesan la vida en común. En su obra, lo íntimo no se presenta como refugio, sino como un espacio político donde se negocian los vínculos y las formas de habitar.

Daniela Tinoco

Trabaja desde la fragmentación del archivo y la iconografía nacional para desmontar los relatos heredados. A través del collage y la reapropiación editorial, activa contra-narrativas que cuestionan los mitos de progreso y las raíces coloniales del imaginario colectivo. Su práctica convoca a la memoria y la solidaridad como estrategias para reclamar agencia frente a la historia oficial.

Santo Miguelito Pérez

el avatar creado por Miguel Pérez Ramos, opera como una figura de tensión constante. Desde Puebla, esta identidad ficcionada confronta las normas del deber ser a través del cuerpo, la sexualidad y la performatividad. Entre lo público y lo íntimo, su obra reescribe tradiciones y desafía la belleza normativa, convirtiendo la identidad en un campo de resistencia activa.

Sol Golden Sato

Esta obra se articula como una exploración mitopoética de la identidad afromexicana y la memoria diaspórica. A partir de la historia de Isabel de Olvera, mujer afromexicana libre que en 1600 reclamó protección legal antes de migrar hacia la Nueva España, Sato construye un archivo onírico donde pintura, escultura e instalación inmersiva entrelazan historia, mito e imaginación. El recorrido se completa con un paisaje sonoro que incorpora spoken word y ritmos afromexicanos, creando un entorno donde el pasado se reactiva como una fuerza viva y contemporánea.

Ángel Pahuamba

Este artista presenta un nuevo cuerpo de obra en colaboración con CAM Galería. Con una trayectoria sólida en exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero, su práctica se ha caracterizado por una reflexión constante sobre el territorio, la memoria y las comunidades que lo habitan. Su participación en Salón ACME No. 13 reafirma la importancia de las alianzas a largo plazo entre artistas y espacios independientes para sostener procesos críticos y sensibles.

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En conjunto, estas propuestas refuerzan el carácter de Salón ACME como una plataforma donde el arte contemporáneo no se limita a la exhibición, sino que se activa como un espacio de diálogo, confrontación y cuidado colectivo. Una edición que confirma que la identidad, lejos de ser un concepto fijo, es un territorio en permanente construcción.