Visión y Tradición 2025 en el Museo de Antropología: Textiles, papel, biología y más piezas que evocan territorios

¿Cuántas voces milenarias pueden dialogar hoy con el diseño contemporáneo? En un momento en que los procesos creados por generaciones tienden a verse como reliquias del pasado, iniciativas como Visión y Tradición—el programa de residencias de Design Week México—abren un umbral donde la tradición es reactivada, resignificada y puesta en diálogo con nuevas miradas. En su edición 2025, este programa no solo reflexiona sobre qué significa ser artesanx o diseñadxr, sino también sobre cómo reescribir la memoria colectiva desde el tacto, la materia y la interdependencia cultural.

El programa celebra un diálogo cultural entre México y Argentina, con la participación de artesanxs provenientes de Yucatán, Oaxaca, Estado de México, Ciudad de México, Jalisco, Chiapas, Guerrero, Chihuahua, Puebla, Aguascalientes y Michoacán. Esta red artesanal, diversa y arraigada a sus contextos, se enlaza con diseñadorxs argentinxs para generar un intercambio simbiótico que atraviesa técnicas, materiales y sensibilidades.

Entre madera, fibras, pigmentos naturales y papel amate, nacieron piezas que no solo destacan por su forma, sino por la historia que las sostiene.

Obras que cuentan historias

Biblioteca Balam

Cada pieza de esta edición es un relato material. La “Biblioteca Balam”, creada en Izamal, Yucatán, por Gabriel Pérez Rajón y Dolores Mallea, integra símbolos que conectan el mundo de lxs vivxs y el de lxs muertxs: jaguares, colibríes, armadillos y calaveras se entretejen en una narrativa visual donde el cielo y la tierra, lo sagrado y lo profano, conviven. El color ocre —tomado de las fachadas de Izamal— envuelve la estructura, mientras los relieves evocan la piel del jaguar, símbolo de fuerza y misticismo.

“La pieza es el producto de un paseo en el primer día que nos vimos. Él me contó toda la historia, la fauna, las leyendas, su historia personal. Cuando fui a su taller vi todo eso representado en sus piezas. La biblioteca nos permitía tener la dualidad del interior y del exterior.”

Dolores Mallea

Banco Quetzalcóatl

Diseñado por Gonzalo Arbutti en colaboración con talleres de San Martín Tilcajete, Oaxaca, retoma la figura de la serpiente emplumada en una escultura funcional de madera tallada de 2.5 metros de largo. Su forma ondulante y precisa recuerda que el mito puede habitar lo cotidiano, y que la función no está reñida con la poesía.

Dualidad Bajo la Montaña

En Puebla, esta obra rinde homenaje a la tradición del papel amate en San Pablito, una práctica ancestral del pueblo otomí. Producida por la familia Santos, Samuel Aguirre y Cekouat Elim León Peralta, la pieza, elaborada con corteza de árbol de mora y muérdago parásito (que puede hacer alusión al capitalismo o a algunas problemáticas sociales que provocan que la gente de San Pablito decida dejar de hacer papel) explora las tensiones entre lo ritual y lo contemporáneo, entre la espiritualidad y la subsistencia económica. Es una reflexión sobre la resiliencia cultural y la capacidad del arte popular de adaptarse a contextos cambiantes sin perder su esencia.

“Uno de los aspectos que sobresalen de San Pablito es que el papel alrededor del mundo es relativamente estático, en Asia se siguen utilizando las mismas especies desde hace siglos. En cambio en México se han incorporando al menos una decena de plantas diferentes. En el caso del papel amate, desde los años 70´s las especies que se utilizaban nativamente, como la mora, se extinguieron localmente y entonces la gente utilizó otras plantas, pero también dejaron de crecer en San Pablito, por lo que ahora las colectan desde Veracruz.”

Cekouat Elim León Peralta, biólogo botánico y artista.

Trama Urbana de una Ciudad Utópica de Diamantes

Desde Chiapas, el artista Alois Kronschlaeger y las tejedoras de El Camino de los Altos presentan una obra textil que fusiona geometría, luz y cosmovisión. Compuesta por 24 romboedros verticales entrelazados con brocados tradicionales, la pieza imagina una ciudad donde cada diamante se convierte en un bloque constructor del espacio-tiempo. La mesa de cristal sobre la que descansa la obra permite ver sus capas como si fueran los estratos de una urbe invisible: la materialización del diálogo entre técnica ancestral y pensamiento contemporáneo.

Lámpara Gelatinera

Por su parte, la “Lámpara Gelatinera”, desarrollada por José Luis Cuevas en conjunto con ONORA x Mónica Calderón, reinterpreta la estética popular de los mercados de la Ciudad de México. Fabricada en hojalata y vidrio, con moldes de resina traslúcida que evocan las gelatinas tradicionales, transforma un objeto de lo cotidiano en una pieza lumínica contemporánea. Es un homenaje a la improvisación creativa de los espacios urbanos, donde el color, la textura y la memoria colectiva se convierten en arte.

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Cada pieza, cada encuentro, cada conversación en el taller refleja una premisa común: el porvenir del diseño no está en romper con la tradición, sino en reinterpretarla. Lo que aquí se propone no es una mirada nostálgica, sino una práctica viva de resistencia cultural. Frente a la uniformidad global, estas colaboraciones construyen una narrativa donde el diseño vuelve a ser herramienta de memoria, vínculo y transformación.

Cuéntanos cuál es tu favorita. Recuerda que puedes visitar la expo hasta el 2 de noviembre.